«Кафедральный квартет»
Флорин Штеттхаймер

Флорин Штеттхаймер (1871–1944)
Художница, поэтесса, светская дива и «королева нью-йоркского авангарда»

Ранние годы и образование
Флорин Штеттхаймер родилась 19 августа 1871 года в Рочестере (Нью-Йорк, США) в богатой еврейской семье, разбогатевшей на банковском и швейном бизнесе. Получила блестящее образование:

Училась живописи в Художественной студенческой лиге Нью-Йорка.

В 1906–1914 годах жила в Европе, изучала искусство в Штутгарте, Берлине и Париже, где познакомилась с авангардными течениями.

Творческий путь
После возвращения в Нью-Йорк в 1914 году Штеттхаймер стала центром арт-сцены, создавая работы, сочетавшие:

Иронию и гламур: её картины — сатира на буржуазное общество и культ потребления.

Уникальный стиль: влияние символизма, фольклора и театра (особенно русских балетов Дягилева).

Поэзию: писала стихи, часто сопровождавшие её выставки.

Ключевые работы:
«Кафедралы» (1929–1942) — цикл из 4 картин о «храмах» американской культуры: Бродвее, Уолл-стрит, Пятой авеню и искусстве.
«Семейный портрет II» (1933) — автобиографичная работа с сёстрами и матерью.
«Весенняя распродажа в Bendel’s» (1921) — пародия на моду и роскошь.

Салон Штеттхаймер
Вместе с сёстрами Карри и Этти Флорин превратила свой дом в легендарный салон, где собирались:
Художники: Марсель Дюшан, Джорджия О’Кифф.
Критики: Генри Макбрайд.
Фотографы: Карл Ван Вехтен.
Её кружок называли «Стетти» — эталон богемной элиты 1920–1930-х.

Признание и наследие
При жизни Штеттхаймер редко выставлялась (персональная выставка — лишь в 1916 году). Её работы считали слишком «эксцентричными», но сегодня они — эталон феминистского искусства и кэмпа.
В 1946 году Музей современного искусства (MoMA) приобрёл её картины.
В 2017 году ретроспектива в Еврейском музее Нью-Йорка вернула её имя в историю искусства.
Умерла 11 мая 1944 года в Нью-Йорке, оставив дневники, стихи и более 50 картин, раскрывающих дух «ревущих двадцатых».

Где увидеть её работы:
Музей Метрополитен (Нью-Йорк).
Колумбийский университет (её архив).
Художественный институт Чикаго.

Вернувшись в Нью-Йорк в 1914 году после нескольких лет жизни за границей, художница, поэтесса и светская фигура Флорин Штеттхаймер (1871–1944) написала стихотворение, в котором восхищалась переменами, которые она заметила:

«Затем обратно в Нью-Йорк,
И небоскрёбы начали расти,
А дома с парадными лестницами стали исчезать,
И жизнь стала совсем иной».

В конце стихотворения она размышляла: «Что мне хотелось бы — это написать это». И она действительно написала. Будучи не просто участницей круга знаменитостей, но, возможно, его сердцем, она изображала сцены, где нью-йоркская художественная и светская элита отдыхала за городом («Воскресный день в деревне», 1917), устраивала пикники («Пикник в Бедфорд-Хиллз», 1918), предавалась расточительству («Весенняя распродажа в Bendel’s», 1921), купалась и загорала («Асбери-Парк Юг», 1920) и позировала для загадочных семейных портретов («Семейный портрет II», 1933).

Штеттхаймер и её две сестры, Этти и Кэрри, а также их мать Розетта (отец рано исчез из их жизни, и ни одна из сестер не вышла замуж и не имела детей) жили в роскоши благодаря состоянию, нажитому семьёй в швейной промышленности. Они регулярно устраивали салонные вечера в своей шикарной квартире в Мидтауне, «Алвин-Корт», куда приходили художники, музыканты, писатели и интеллектуалы. Среди их друзей были Марсель Дюшан, Альфред Стиглиц, Джорджия О’Кифф и Карл Ван Вехтен. Трёх сестёр, известных как «Стетти», объединяли творческие и интеллектуальные устремления, но только Флорин занималась изобразительным искусством. Она получила академическое образование и глубоко знала европейских мастеров, но выработала собственный стиль, вдохновлённый символизмом, примитивизмом, народным искусством и декорациями Русского балета.

Историк искусства Линда Нохлин описывает стиль Штеттхаймер как «лёгкий, как паутинка, искусно сложный; иконография — утончённая, загадочная и наполненная личными отсылками». Её персонажи узнаваемы, но упрощены и слегка вытянуты. Её цвета то яркие и насыщенные, то воздушные и рокайльные. В одном из своих стихотворений она размышляла:

«Моё отношение — это любовь
Ко всему этому обожанию,
Ко всем этим украшениям,
Ко всем этим цветам,
Ко всему этому блеску творения».

Неудивительно, что многие критики интерпретируют её работы через призму эссе Сьюзен Сонтаг «Заметки о кэмпе» (1964). Утверждения Сонтаг о том, что кэмп — это «способ видеть мир как эстетический феномен», что его следует воспринимать «не в терминах красоты, а в терминах степени искусственности, стилизации» и что кэмп предлагает новую перспективу, в которой «можно быть серьёзным по отношению к легкомысленному и легкомысленным по отношению к серьёзному», — кажется, идеально описывают сцены Штеттхаймер.

Вершина творчества Штеттхаймер — цикл «Кафедралы»
Венцом её творчества стали четыре полотна из серии «Кафедралы»:
«Кафедралы Бродвея» (1929),
«Кафедралы Пятой авеню» (1931),
«Кафедралы Уолл-стрит» (1939),
«Кафедралы искусства» (1942).

Они масштабны (около 5 футов в высоту и чуть более 4 футов в ширину) и насыщены персонажами — как известными, так и анонимными, величественными архитектурными элементами, текстовыми деталями, а также явными и загадочными символами.

Слово «кафедрала» отсылает к религии, но вместо поклонения богам американцы поклоняются искусству, деньгам, зрелищам и обществу. Религиозная образность проявляется в арочной форме алтаря, обрамляющей центральное изображение каждой картины (напоминая фрески Джотто в Капелле Скровеньи), а в «Кафедралах искусства» сама Штеттхаймер изображена справа в роли «крёстной» (commère), а её друг Роберт Лёкнер слева — «крёстного» (compère), что перекликается с традицией изображения донаторов в религиозных картинах эпохи Возрождения, приглашающих зрителя в сцену.

Несмотря на аллюзии и алтари, эти картины совершенно и беззастенчиво светские. Они прославляют американские мечты, развлечения, героев, иконы и «хранителей ворот» — всё в самом экстравагантном и искрящемся стиле.

Конечно, можно относиться скептически или даже враждебно к миру привилегий, потребительства и знаменитостей, изображённому в серии «Кафедралы». Можно даже обратиться к работе Ги Дебора «Общество спектакля» (1967) и использовать его слова:
«Спектакль — это стадия, на которой товар полностью колонизировал социальную жизнь. Овеществление не просто видно — мы больше не видим ничего другого; мир, который мы видим, — это мир товара», чтобы критиковать видение Штеттхаймер. Однако, откровенно говоря, её картины слишком увлекательны, слишком мастерски исполнены и слишком точно передают дух времени и места, чтобы полностью принять такую точку зрения.

1. «Кафедралы Бродвея» (1929)
Например, «Кафедралы Бродвея» запечатлели момент перехода от немого кино (символизированного фигурой за верёвкой на переднем плане) к «говорящим» фильмам. Посетители — как аристократы, так и представители среднего класса — покупают билеты на шоу в таких знаменитых заведениях, как «Риальто» и «Рокси», названия которых сверкают на заднем плане. Магия Нью-Йорка как столицы развлечений ощутима в этой яркой, джазовой, полной энергии работе.

2. «Кафедралы Пятой авеню» (1931)
«Кафедралы Пятой авеню» посвящены нью-йоркскому «обществу». В центре холста — свадьба богатой и гламурной пары, а вокруг алтаря, украшенного красным шёлковым балдахином и ковром, изображены художники, сёстры Штеттхаймер, герои вроде Чарльза Линдберга и иностранный дипломат. На заднем плане мерцают названия знаменитых магазинов и ресторанов: Tiffany’s, Delmonico’s, Hudnut’s и B. Altman’s — не менее притягательные, чем известные здания и мосты города.

3. «Кафедралы Уолл-стрит» (1939)
«Кафедралы Уолл-стрит» отдают дань уважения Джорджу Вашингтону (его позолоченная статуя возвышается справа) и Рузвельтам: портрет Франклина в центре, а элегантная Элеонора в голубом платье — на переднем плане. Но это также гимн деньгам во всех их институциональных формах: слова «банк», «траст», «Morgan & Company», «банкир» и «ипотека» украшают здания, а лица Бернарда Баруха, Джона Д. Рокфеллера и Дж. П. Моргана сурово смотрят с тимпана над дверью, помеченной как «Нью-Йоркская фондовая биржа».

Классические элементы, патриотическая помпезность и позолота доведены до абсолюта, и Штеттхаймер явно осознаёт это — в работе чувствуется ирония, намёк на то, что она может посмеиваться над американской страстью к богатству, даже понимая, что сама пользуется его плодами.

4. «Кафедралы искусства» (1942)
Финальная работа, «Кафедралы искусства», представляет собой «кто есть кто» в мире искусства того времени: критик Генри Макбрайд, директора Метрополитен-музея (изображена его центральная лестница), Уитни и Музея современного искусства, таблоидный фотограф Джордж Платт Лайнс и другие. В центре внимания — «рождение» нового искусства («Baby art»), которое фотографируют во вспышке света, а затем ведут вверх по лестнице под руководством Фрэнсиса Генри Тейлора. На колоннах написано: «Искусство в Америке» и «Американское искусство» — смелое утверждение эстетических достижений молодой страны даже среди вековых шедевров мирового искусства в стенах Метрополитена.

Заключение
Безусловно, четыре «Кафедралы» — это кэмп и, возможно, даже «спектакль» в духе Ги Дебора. Но социальные наблюдения и критика Штеттхаймер, её уникальный и провидческий стиль, а также умение передать гламур и энергию Нью-Йорка межвоенных лет делают эту серию исключительно значимым вкладом в американское искусство.

Что такое «кэмп»?
Кэмп (англ. camp) — эстетический стиль и культурный феномен, основанный на нарочитой театральности, преувеличенной искусственности и ироничном восхищении безвкусицей. Это способ восприятия мира через гротеск, пародию и стилизацию, где важна не красота, а степень экстравагантности и игривости.

Ключевые идеи из эссе Сьюзен Сонтаг «Заметки о кэмпе» (1964)
«Кэмп — это способ видеть мир как эстетический феномен»
Он превращает жизнь в искусство, где даже банальное или безвкусное становится предметом восхищения.

«Кэмп — это любовь к преувеличенному, к „слишком“»
Примеры: гламурные голливудские фильмы 1950-х, барокко, китчевые безделушки, оперные дивы вроде Марии Каллас.

«Кэмп — это серьёзное отношение к несерьёзному»
Например, страстное увлечение мыльными операми или коллекционирование безделушек с налётом ностальгии.

«Кэмп — это торжество стиля над содержанием»
Важно не что, а как: поза, интонация, эксцентричность (как у Оскара Уайльда или персонажей Джона Уотерса).

Примеры кэмпа в искусстве и культуре
Кино: Фильмы «Долина кукол» (1967), «Шоу ужасов Рокки Хоррора» (1975), ранние работы Альмодовара.

Мода: Образы Дэвида Боуи, Эльзы Скиапарелли, Джереми Скотта.

Искусство: Картины Флорин Штеттхаймер, поп-арт Энди Уорхола.

Театр: Кабаре, бурлеск, выступления Дивы Плавалагуны.

Почему кэмп актуален?
Он стал частью мейнстрима — от мета-иронии в интернете до коллекций Gucci Алессандро Микеле. В 2019 году тема «Кэмп» легла в основу выставки Met Gala, куратором которой выступила Сонтаг (посмертно).

Цитата для понимания:

«Кэмп — это дитя эпохи массовой культуры… Это аристократический жест в демократическом обществе» (Сонтаг).

Если нужно углубиться в конкретные примеры или современные трактовки — спрашивайте!

Хотя Флорин Штеттхаймер не часто обращалась к теме балета напрямую, её работа "Балерина" (точное название и дата создания требуют уточнения, так как в каталогах упоминается несколько эскизов и театральных зарисовок) отражает влияние Русских балетов Дягилева, которые восхищали художницу.

Ключевые особенности:
Стиль:
Характерная для Штеттхаймер плоскостность и декоративность.
Яркие, почти «конфетные» цвета (розовый, золотой, голубой).
Удлинённые, стилизованные фигуры, напоминающие театральные эскизы.

Сюжет:
Если это портрет конкретной балерины (например, Анны Павловой или Тамары Карсавиной), он мог быть выполнен под впечатлением от их гастролей в Нью-Йорке в 1910–1920-х.

Альтернативно — это аллегория балета как искусства, где танцовщица изображена как «божество» в духе кэмпа.

Связь с другими работами:
Близка к эскизам костюмов для нереализованных проектов (Штеттхаймер мечтала о сотрудничестве с театром).
Перекликается с картиной "Music" (1920), где есть фигура скрипача в похожей стилистике.