КЭМП

Что такое «кэмп»?
Кэмп (англ. camp) — эстетический стиль и культурный феномен, основанный на нарочитой театральности, преувеличенной искусственности и ироничном восхищении безвкусицей. Это способ восприятия мира через гротеск, пародию и стилизацию, где важна не красота, а степень экстравагантности и игривости.

Ключевые идеи из эссе Сьюзен Сонтаг «Заметки о кэмпе» (1964)
«Кэмп — это способ видеть мир как эстетический феномен»
Он превращает жизнь в искусство, где даже банальное или безвкусное становится предметом восхищения.

«Кэмп — это любовь к преувеличенному, к „слишком“»
Примеры: гламурные голливудские фильмы 1950-х, барокко, китчевые безделушки, оперные дивы вроде Марии Каллас.

«Кэмп — это серьёзное отношение к несерьёзному»
Например, страстное увлечение мыльными операми или коллекционирование безделушек с налётом ностальгии.

«Кэмп — это торжество стиля над содержанием»
Важно не что, а как: поза, интонация, эксцентричность (как у Оскара Уайльда или персонажей Джона Уотерса).

Примеры кэмпа в искусстве и культуре
Кино: Фильмы «Долина кукол» (1967), «Шоу ужасов Рокки Хоррора» (1975), ранние работы Альмодовара.

Мода: Образы Дэвида Боуи, Эльзы Скиапарелли, Джереми Скотта.

Искусство: Картины Флорин Штеттхаймер, поп-арт Энди Уорхола.

Театр: Кабаре, бурлеск, выступления Дивы Плавалагуны.

Почему кэмп актуален?
Он стал частью мейнстрима — от мета-иронии в интернете до коллекций Gucci Алессандро Микеле. В 2019 году тема «Кэмп» легла в основу выставки Met Gala, куратором которой выступила Сонтаг (посмертно).

Цитата для понимания:
«Кэмп — это дитя эпохи массовой культуры… Это аристократический жест в демократическом обществе» (Сонтаг).

Кэмп как феномен неклассической эстетики: генезис и ключевые характеристики
Кэмп (англ. camp) представляет собой особую форму эстетического восприятия, характеризующуюся изощрённой чувствительностью и намеренной искусственностью. В рамках неклассической эстетики данный феномен интерпретируется как специфический тип вкуса, основанный на сознательном культивировании преувеличенной театральности, гротеска и эстетизированной вульгарности[1]. Помимо сугубо художественного аспекта, кэмп рассматривается как социокультурный стиль, тесно связанный с гендерной и квир-эстетикой, что обусловило его ассоциацию с гей-субкультурой[2].

Ключевыми чертами кэмпа выступают:
гиперболизированная искусственность,
игровая ирония, сочетающаяся с подчёркнутой серьёзностью,
деконструкция бинарных оппозиций (возвышенное/низменное, прекрасное/безобразное).

В отличие от классического искусства, ориентированного на категории красоты и гармонии, кэмп акцентирует динамику, провокацию и эпатаж, отвергая эстетическую удовлетворённость в пользу постоянного вызова общественным нормам.

Исторический контекст и представители
Актуализация кэмпа как культурного явления произошла в 1960-е годы, хотя его истоки прослеживаются в более ранних художественных практиках. Значительный вклад в его популяризацию внесли представители независимого кинематографа, такие как:
Джордж и Майк Кучары,
Джек Смит,
Энди Уорхол,
Джон Уотерс (фильмы «Розовые фламинго», «Лак для волос», «Полиэстер»).

В музыкальной и перформативной сфере эстетику кэмпа развивали:
Барри Хамфрис (образ дамы Эдны Эверэйдж),
Дивайн,
Ру Пол,
Либераче.

Широкое распространение кэмп получил в 1980-е годы на волне постмодернистского переосмысления искусства, что способствовало его интеграции в массовую культуру. Данный феномен продолжает оставаться актуальным объектом исследования в контексте современной визуальной антропологии и культурологии.

Исследование эстетического феномена кэмпа в контексте живописи и фотографии
Кэмп представляет собой уникальное художественное явление, характеризующееся намеренной экстравагантностью, игрой с банальностью, вызовом традиционным канонам вкуса и стиля. Эта эстетика, сочетающая в себе элементы вульгарности, абсурда и иронии, бросает вызов общепринятым нормам, подчиняя форму содержанию и отвергая морализаторские рамки. Несмотря на свою маргинальность, кэмп приобрел значительную популярность, оставаясь при этом понятным далеко не каждому.

Термин «кэмп» получил концептуальное оформление в 1964 году благодаря эссе Сьюзен Сонтаг «Заметки о кэмпе». В этом трактате, состоящем из 58 тезисов, автор детально анализирует природу данного феномена, предлагая ключевые критерии его идентификации. Работа Сонтаг по сей день остается основополагающим исследованием, раскрывающим суть кэмпа и его место в современной культуре.

Визуальное искусство неоднократно обращалось к эстетике кэмпа как к средству создания провокационных и нетривиальных произведений. В данной статье феномен рассматривается сквозь призму живописи и фотографии, что позволяет проследить его эволюцию и выявить характерные черты. Анализ проводится в доступной форме, что способствует лучшему пониманию сложного и многогранного явления.

Проявление эстетики кэмпа в творчестве Владислава Мамышева-Монро
В творческом наследии российского художника Владислава Мамышева-Монро (1969-2013) нашли яркое воплощение ключевые принципы кэмпа, в частности, андрогинность и сознательная искусственность образов. Его работы демонстрируют характерную для данного направления деконструкцию традиционных гендерных представлений через эстетизацию преувеличенной театральности.

Особого внимания заслуживает серия "Политбюро", где художник осуществляет радикальное переосмысление образов советских политических деятелей. В этих работах прослеживается:
намеренное стирание гендерных границ,
парадоксальное сочетание мужского и женского начал,
гиперболизированная эстетизация образов.

Мамышев-Монро создает сложные визуальные конструкции, основанные на принципе сочетания несочетаемого. Его художественный метод предполагает:
использование элементов гротеска,
сознательное нарушение пропорций,
игру с культурными стереотипами.

Характерно, что подобные произведения часто вызывают неоднозначную реакцию - от полного неприятия до восторженного восхищения. Это объясняется присущей кэмпу двойственностью: с одной стороны, работы воспринимаются как чрезмерно экстравагантные и даже комичные, с другой - они содержат глубокий культурный подтекст.

Творчество Мамышева-Монро представляет собой значимый пример адаптации международной кэмп-эстетики в российском художественном контексте, демонстрируя ее трансформацию под влиянием местных культурных реалий.

Энди Уорхол и эстетика кэмпа: ирония, коммерция и вызов традициям
Введение
Творчество Энди Уорхола, ключевой фигуры поп-арта, неразрывно связано с эстетикой кэмпа — стиля, основанного на преувеличении, иронии и театральности. Его работы, намеренно лишённые глубины и пафоса, бросали вызов традиционным представлениям о высоком искусстве. Банки супа «Кэмпбелл», портреты Мэрилин Монро и упаковки «Брилло» стали не просто символами поп-арта, но и яркими примерами кэмпа — искусства, которое превращает банальность в культ.

Кэмп как художественная стратегия Уорхола
Согласно Сьюзен Сонтаг, кэмп — это «эстетика искусственности», воспевающая «слишком»: слишком яркое, слишком поверхностное, слишком коммерческое. Уорхол довёл эту идею до абсолюта. Его работы сознательно избегали сложных метафор, заменяя их механическим тиражированием массовых образов.

«Я думаю, что искусство должно быть для всех, а не только для избранных», — говорил Уорхол, подчёркивая демократичность своего подхода.

Ключевые элементы кэмпа в творчестве Уорхола:
Ирония и пародия – его работы высмеивали культ потребления, одновременно становясь его частью.

Повторение и серийность – массовое производство образов (как банки супа или кока-колы) стирало грань между уникальным и тиражным.

Искусственная гламурность – Уорхол намеренно использовал кричащие цвета и упрощённые формы, создавая эффект дешёвой рекламы.

Смешение высокого и низкого – он возвёл бытовые предметы в ранг искусства, что полностью соответствует кэмп-эстетике.

Банки супа «Кэмпбелл» как манифест кэмпа
Серия «32 банки супа Кэмпбелл» (1962) — один из самых известных примеров кэмпа в искусстве. Уорхол выбрал предельно банальный объект, лишённый какого-либо скрытого смысла, и представил его как художественный объект.

Критики сначала назвали это «пощёчиной общественному вкусу», но со временем работа стала символом эпохи. Именно в этой нарочитой простоте и заключался кэмп-эффект: Уорхол показал, что искусство может быть одновременно примитивным и гениальным.

Уорхол vs. традиционное искусство
В отличие от абстрактного экспрессионизма (Поллок, де Кунинг), который стремился к глубине и эмоциональности, Уорхол сознательно деэмоционализировал искусство. Его фабрика (The Factory) стала местом, где творчество превращалось в конвейерное производство.

«Чем более безлично искусство, тем оно более современно», — заявлял художник.

Этот подход полностью соответствовал кэмп-эстетике, которая отвергает серьёзность в пользу игры и стилизации.

Энди Уорхол не просто использовал кэмп — он переопределил его, сделав коммерцию и массовую культуру частью художественного дискурса. Его работы, казалось бы, лишённые глубины, стали зеркалом общества потребления, а их нарочитая искусственность — ключевым элементом кэмпа.

Сегодня Уорхол остаётся одной из самых влиятельных фигур в искусстве, а его стратегии повторения, иронии и гламура продолжают вдохновлять новых художников, работающих в эстетике кэмпа.

Эротический эстетизм Обри Бердслея в контексте кэмп-эстетики
Введение: кэмп как эстетика перформативной сексуальности
Феномен кэмп-эстетики, помимо своих очевидных характеристик (театральность, искусственность, ирония), содержит важный компонент эротизированного эстетизма, где сексуальность становится перформативным жестом. В этом контексте творчество английского иллюстратора Обри Бердслея (1872-1898) представляет особый интерес. Как отмечала Сьюзен Сонтаг в своих "Заметках о кэмпе", Бердслей создавал работы, балансирующие на грани допустимого, превращая эротизм в изощрённую игру форм. Его рисунки, сочетающие модерн, гротеск и японские эротические гравюры, стали каноническим примером того, как кэмп использует сексуальность как художественный приём.

Бердслей и кэмп: эстетизация "запретного"
1. Стилистические особенности как проявление кэмпа
Работы Бердслея соответствуют кэмп-эстетике через:
Преувеличенную утончённость (гипертрофированные линии, неестественные позы)
Искусственную декоративность (орнаментальность как самоцель)
Игру с табу (эротика, подаваемая через намёки и гротеск)
Его иллюстрации к "Саломее" Оскара Уайльда (1894) демонстрируют характерный кэмповый парадокс: сочетание декадентской изысканности с нарочитой провокационностью.

2. Сексуальность как перформанс
Бердслей трансформировал эротику в стилизованный спектакль:
Женские образы лишены натуралистичности, превращены в декоративные символы
Андрогинность персонажей (сближение мужского и женского - типичный кэмп-приём)
Использование исторических и мифологических сюжетов как "прикрытия" для смелых образов

Как отмечал искусствовед Марк Брюс:
"Бердслей создавал не эротику, а её театральную имитацию - что полностью соответствует кэмп-эстетике, где важна не страсть, а её стилизация".

Критический резонанс: между порнографией и искусством
Современники воспринимали работы Бердслея неоднозначно:
Обвинения в пошлости (журнал "The Studio" называл его работы "опасными")
Признание новаторства (Уайльд видел в них воплощение "искусства ради искусства")

Цензурные ограничения (многие рисунки издавались только в ограниченных тиражах)

Этот двойной статус (одновременно "слишком" и "гениально") - характерная черта кэмпа, по Сонтаг.

Заключение: Бердслей как предтеча современного кэмпа
Творчество Бердслея предвосхитило многие элементы современной кэмп-эстетики:
Культ искусственности в противовес натурализму
Использование эротики как декоративного элемента
Смешение "высокого" и "низкого" в искусстве

Его наследие прослеживается в работах:
Дэвида Лахэппеля (фотография)
Пьера и Жиля (визуальные инсталляции)
Современных drag-перформансах

Ги Бурден и эстетика кэмпа: провокация как художественный метод
Введение: кэмп-эстетика в фотографии
Французский фотограф Ги Бурден (1928-1991) занимает особое место в истории визуальной культуры XX века, став одним из главных интерпретаторов кэмп-эстетики в фотографии. Его работы, балансирующие между высоким искусством и коммерческой съемкой, демонстрируют ключевые принципы кэмпа: избыточность, театральность, провокационная сексуальность. Как отмечал искусствовед Франческо Бонами, "Бурден превращал модную фотографию в площадку для художественного эксперимента, где гламур соседствовал с гротеском".

Художественные стратегии Бурдена как проявление кэмпа
1. Эстетика "слишком"
Работы Бурдена воплощают сонтаговское понимание кэмпа через:
Гипертрофированную цветовую гамму (кислотные тона, неестественные сочетания)
Преувеличенную сексуальность (позы, граничащие с вульгарностью)
Нарочитую искусственность (отсутствие попыток создать "естественный" образ)
Его знаменитая серия для French Vogue (1970-е) демонстрирует этот подход: модели в неестественных позах, с преувеличенным макияжем, помещенные в абсурдные интерьеры.

2. Игра с табу и общественными нормами
Бурден последовательно нарушал границы допустимого:
Использование андрогинных моделей (стирание гендерных границ)
Эротизация насилия (серия с перевязанными моделями)
Провокационные ракурсы (акцент на телесности и физиологичности)

Как отмечает исследователь моды Анна Зайцева:
"Бурден доводил модную фотографию до гротеска, создавая образы, которые невозможно было воспринимать серьезно - и в этом заключался их кэмп-потенциал".

Критическая рецепция: между гением и пошлостью
1. Обвинения в эксплуатации женского тела
Ряд феминистских критиков (в частности, Джермайн Грир) осуждали Бурдена за:
Объективацию женского тела
Пропаганду нереалистичных стандартов красоты
Использование образов насилия в эстетических целях

2. Защита как художественного высказывания
Сторонники (включая Сьюзен Сонтаг) видели в его работах:
Деконструкцию стандартов красоты
Критику индустрии моды изнутри
Превращение коммерческой съемки в арт-проект

Влияние на современную культуру
Эстетика Бурдена прослеживается в:
Кампаниях Тома Форда (провокационная сексуальность)
Работах Дэвида Лашапелля (гипертрофированный китч)
Перформансах Леди Гаги (театрализованная андрогинность)

Бурден как классик кэмп-фотографии
Творчество Ги Бурдена демонстрирует, как кэмп-эстетика:
Превращает коммерческое искусство в художественный высказывание
Использует провокацию как творческий метод
Создает новый визуальный язык через преувеличение и иронию

Его наследие остается актуальным в эпоху Instagram, где границы между искусством и китчем становятся все более размытыми.

Дэвид Лашапель: сюрреалистический гламур как кэмп-апокалипсис
Введение: кэмп в эпоху гиперреальности
Творчество американского фотографа и режиссёра Дэвида Лашапеля (род. 1963) представляет собой уникальный синтез кэмп-эстетики и современной визуальной культуры. Его авторский стиль, который критики называют "сюрреалистическим гламуром", доводит принципы кэмпа до логического предела, создавая визуальные миры, где искусственность становится новой реальностью. Как отмечает искусствовед Линда Смит, "Лашапель превращает кэмп из художественного приёма в тотальную эстетическую систему, где нет места естественности".

Поэтика "сюрреалистического гламура": кэмп-стратегии Лашапеля
1. Эстетика избыточности
Работы Лашапеля демонстрируют все признаки кэмпа по Сонтаг:

Гипертрофированная цветовая гамма (неестественно яркие, "токсичные" оттенки)

Преувеличенная композиция (перенасыщенность элементами)

Нарочитая театральность (постановочность как художественный принцип)

Его знаменитая серия "Иисус – мой светофор" (2003) воплощает этот подход: библейские сюжеты, помещённые в контекст современной поп-культуры.

2. Гротеск как норма
Характерные черты стиля Лашапеля:
Деформация телесности (неестественные позы, преувеличенные пропорции)
Смешение сакрального и профанного (религиозные образы в поп-культурном контексте)
Культ искусственности (отсутствие попыток имитировать реальность)

Как отмечает куратор МоМА Клаус Бизенбах:
"Лашапель создаёт мир, где китч становится высоким искусством, а высокое искусство - частью китча. В этом парадоксе - суть его кэмп-эстетики".

Ключевые циклы работ: теологи кэмпа
1. "Небесные тела" (2007)
Религиозная иконография в гламурном исполнении
Святые в образе знаменитостей
Парадоксальное сочетание духовного и телесного

2. "Жидкий театр" (2014)
Фотографии под водой
Дематериализация телесности
Превращение гламура в абстракцию

3. "Потерянный+" (2017)
Экологическая тематика в кэмп-стилистике
Мусор как элемент декора
Ирония над потребительской культурой

Критическая дискуссия: между гением и китчем
1. Аргументы "за"
Создание нового визуального языка
Деконструкция стереотипов красоты
Превращение коммерческой фотографии в искусство

2. Аргументы "против"
Обвинения в пустоте и поверхностности
Критика чрезмерной коммерциализации
Вопросы о границах допустимого (особенно в религиозной тематике)
Влияние на современную культуру

Эстетика Лашапеля прослеживается в:
Клипах Леди Гаги (театральность, гротеск)
Кампаниях Дольче & Габбана (религиозные мотивы в рекламе)
Инсталляциях Пьера и Жиля (синтез поп-арта и кэмпа)

Заключение: кэмп как тотальная эстетическая система
Творчество Дэвида Лашапеля демонстрирует:
Эволюцию кэмпа в цифровую эпоху
Превращение провокации в художественный метод
Создание альтернативной визуальной реальности

Его работы ставят вопрос: где заканчивается искусство и начинается китч? - и оставляют его без ответа, что соответствует самой природе кэмпа.

Оскар Уайльд и визуальное выражение кэмп-эстетики
Оскар Уайльд (1854–1900) — один из ключевых предшественников кэмп-эстетики, чья жизнь и творчество воплощали её принципы задолго до того, как Сьюзен Сонтаг сформулировала их в «Заметках о "кэмпе"» (1964). Хотя сам Уайльд не использовал термин «кэмп», его подход к искусству, моде, театру и публичному образу полностью соответствует этой эстетике.

1. Визуальная эстетика Уайльда: театральность и искусственность
Стиль одежды: дендизм как кэмп-перформанс
Уайльд сознательно превращал свою внешность в произведение искусства, следуя принципам дендизма, который позже стал частью кэмп-эстетики. Его визуальный образ включал:

Экстравагантные костюмы – бархатные камзолы, кружевные жабо, чулки с подвязками, зелёные гвоздики в петлице.

Искусственность как эстетику – он отвергал «естественность», предпочитая тщательно сконструированный образ.

Провокационные высказывания – например: «Надо быть всегда немного неправдоподобным» (что позже стало кэмп-манифестом).

Его лекционный тур по Америке (1882) стал перформансом: Уайльд появлялся перед публикой в коротких бархатных панталонах, чулках и с подсолнухом в руке, намеренно шокируя консервативную публику.

Интерьеры: искусство как жизненная среда
Уайльд превращал свои жилища в тотальные инсталляции, предвосхищая современный кэмп:

Дом на Тайт-стрит (Лондон) – стены, обитые белым штофом, павлиньи перья, японские ширмы, китайский фарфор.

Культ декоративности – он считал, что интерьер должен быть «таким же искусственным, как хорошая картина».

2. Театр и визуальная эстетика: кэмп до кэмпа
Саломея (1891) – кэмп-шедевр
Пьеса «Саломея» (1893, на французском) стала визуальным манифестом декадентства и кэмпа:
Обри Бердслей создал иллюстрации, усилив её эротико-гротескную эстетику.
Танец семи покрывал – театрализованная, гипертрофированная чувственность.
Эстетизация ужаса – отрубленная голова Иоканаана подаётся как драгоценный арт-объект.

Как важно быть серьёзным (1895) – ирония и кэмп
Комедия построена на:
Преувеличенных персонажах (Банерджек, леди Брэкнелл).
Искусственности диалогов (афоризмы вместо «естественной» речи).
Театральности поведения – герои живут как в спектакле.

3. Влияние на последующую кэмп-культуру
Уайльд заложил основы визуального кэмпа, который развили:
Обри Бердслей (гротескные иллюстрации к «Саломее»).
Энди Уорхол (искусственность и культ знаменитостей).
Дэвид Лашапель (гламурный сюрреализм).
Драг-культура (перформанс гендера как театра).

Вывод: Уайльд как отец визуального кэмпа
Его эстетика строилась на:
Искусственности (отказ от «натуры» в пользу стилизации).
Театральности (жизнь как перформанс).
Иронии (игра с серьёзностью).
Преувеличении (чем больше, тем лучше).

Как писал сам Уайльд:
«Жизнь слишком важна, чтобы говорить о ней всерьёз».
Эту фразу можно считать кредо всей кэмп-эстетики.